«Пустые поезда» Дмитрий Данилов. Автор инсценировки и режиссер Алексей Золотовицкий, Художник Софья Егорова. Художник по свету Нарек Туманян. РАМТ. Тенденции режиссеров последнего времени произведения писателей написанных в жанре мистического реализма максимально приближать к актуальным приметам современности и бытовому реализму, частенько без особых реверансов режиссерский замысел противопоставляя авторскому. Молодой режиссер Алексей Золотовицкий пошел обратным путем, более чем бытовые, путевые зарисовки — очерки Дмитрия Данилова из сборника «Пустые поезда» смог погрузить в туманную дымку магического реализма, редчайший момент, когда инсценировка наполняет авторский текст другим смыслом, делая его более объемным и многозначным. Сидел на прогоне рядом с автором Дмитрием Даниловым, наблюдая весь спектр эмоций, восторженная реакция которого была неподдельна. Подход совершенно обоснованный, поезд один из самых магических предметов в этой вселенной. Говорят, если изо всех сил прислушаться к собственной жизни, можно услышать грохот уходящих вдаль поездов. Если судить по разговорам в поезде, то в мире нет скучных людей с неинтересными биографиями. Кто то сказал "Я заметил такую вещь: если ехать в поезде и долго смотреть в окно, то в какой-то момент начинаешь думать о судьбе России.... И мне кажется, именно поэтому в поездах пьют. Смотрят в окно и пьют". У Сальвадора Дали есть одна из моих любимых картин, каждый раз когда я бывал в Кельне ,где она висит в «Музее Людвига», я обязательно к ней приходил и на полчаса проваливался в «Мистицизм железнодорожной станции Перпиньян». Художник заметил необычную закономерность: всякий раз, когда он оказывался в этом месте, его начинали одолевать великие мысли: одна гениальнее другой. А 19 сентября 1963 года он и вовсе постиг там устройство вселенной. «Оказалось, что вселенная, будучи одной из самых ограниченных вещей из всего сущего, по своей структуре, соблюдая все-все пропорции, точь-в-точь похожа на Перпиньянский вокзал». Об этом и спектакль Леши Золотовицкого, во многом созвучный, даже в деталях, с содержанием и символизмом картины Дали. Книга Данилова посвящается памяти умершей в 2022 году матери и все поездки условного путешественника по стране по сути «роуд муви» ритуал прощания , за всеми этими флешбеками перемещений рождается боль невосполнимой утраты, выходящая из частной истории потери близкого человека на общечеловеческий уровень, всего того ,что мы уже потеряли и что нам еще предстоит потерять. Вечный вопрос ,что наша жизнь поезд или перрон навсегда останется без ответа. Вроде все едут в своих вагонах в купе статуса от СВ до боковой плацкарты около туалета, с зоной отчуждения за окном и проводницами мойрами, которые кажется знают о тебе все, что с тобой было и что будет, но ведь только выходя на перрон ты понимаешь, что есть жизнь и за пределами своего вагона и она настоящая. Ну и любой поезд всегда рано или поздно, иногда лучше чтоб позже, приходит на конечную станцию. Актеры РАМТ, как всегда на высоте профессионализма, инфернальные красавицы Диана Морозова и Дарья Семенова, Алексей Гладков, Сергей Чудаков, Виталий Тимашков и юный Максим Заболотний. Итог -РАМТ по прежнему не теряет знака качества своих постановок, каждая становится событием, кассовым и зрительским хитом. Кому то спектакль Алексея Золотовицкого может показаться скучным, но то что это прекрасная, неординарная работа умного и понимающего что и о чем он ставит режиссера отрицать невозможно, равно как и актерский талант участников, которые и сами живут в этом мистическом материале и всеми возможными способами погружают в него зрителя.
###### Петр Шерешевский, как мне кажется? в своем творчестве, часто дважды поднимает какую то важную для него тему, постановки или дополняют или развивают режиссерскую мысль. На вскидку Небо позднего августа —Медовый месяц в Кукольном доме, Дон Хиль зеленые штаны и Три, Сирены Титана- Улитка на склоне/###### ###### В последнее время в постановках на равных с режиссерами выступают художники сценографы. Их работа зачастую половина успеха постановки, у хороших режиссеров ,когда сценография становится одним из действующих лиц спектакля. Даже могут определить и 100 процентный успех, когда режиссер беспомощен и профнепригоден, но красота на сцене и умные декорации отвлекают зрителя от этого осознания. Совершенно не обязательно ,чтоб сценография выглядела дорого и роскошно. Для меня на данный момент сложилась, основная четверка умных сценографов четко понимающих задачи режиссеров с которыми работают. Анвар Гумаров, Дмитрий Разумов, Юлиана Лайкова и Анна Агафонова. Из последнего опять же тандем Шерешевский -Гумаров в «Улитке на склоне». Видеоряд там не про красивое , он невероятно иллюстративный и без каких-то сложных и модных 3Д проекций и прочего, простейшими техническими атрибутами показывает фантазийный мир Стругацких, а космическая катастрофа «Сирен Титана» созданная в тазу, на экране выглядит не менее богато и достоверно, чем у Кубрика в «Космической одиссее» ##### #### Музыка в спектаклях. Так же становится одним из действующих лиц, на равных с актерами, как оригинальная к примеру Ванечки в постановках Петра Шерешевского и Галины Зальцман, так и различные треки подобранные для усиления действия режиссерами, тут лидирует Филипп Гуревич. Выходя по окончанию, зритель начинает лихорадочно искать темы услышанные в спектакле ######
Эскадрон шальных мыслей. ###### В «Улитке на склоне» Братьев Стругацких жена Кандида (Молчуна) встречается с матерью и та забирает ее. Миром Леса правят женщины, мужчинам там места нет. Если рассматривать роман в контексте, что Управление это прошлое, а Лес будущее, то будущее власти принадлежит женщинам и Стругацкие еще в 1965 году это предсказали, еще не зная о том что появятся Индира Ганди, Голда Меир, Ангела Меркель, Маргарет Тэтчер и другие. В инсценировке Петра Шерешевского этот момент присутствует, как основополагаюший. Три дивные воздушные Тургеневские дамы в кружевных костюмах Чеховской поры, одна из которых мать его жены Навы, мгновенно превращаются в жутких баб-амазонок, сторонниц партеногенеза. Что интересно и в Управлении власть принадлежит женщинам, только в форме «серых кардиналов» советников, когда даже высокопоставленные мужчины лишь марионетки, все решает за них ближний женский круг. Шерешевский в итоге приводит к мысли, что прошлое по сути совсем не отличается от будущего, а будущее еще более страшное и тоталитарное, когда правящий класс убежден в правильности гендерцида-андроцида, даже видимость свободы перестает поддерживать. И уже не для кого теперь нет ни прошлого ни будущего. В ГИТИСе Светлана Землякова, только что выпустила спектакль, который еще практически никто не видел, «Правек и другие времена» по роману Ольги Токарчук, где так же поднимается гендерная тема пока не вошедшая в постановку, представлена только часть романа, но возможно будет продолжение. Одна из героинь произносит фразу, надо рожать только девочек, чтоб в мире не было больше войн. В финале так и происходит, в Правеке рождаются только девочки, что в итоге приводит к его гибели. Токарчук свой роман написала в 1996 году. Два взгляда в рамках одной темы, мужской 1965 года и женский 1996 дополняющие друг друга, но мужчины опровергают мысль, что война не может быть с женским лицом. а женщина убеждена, что мир без мужчин не сможет быть жизнеспособным. В обоих случаях человечество не сможет вернуться к прежней жизни, апокалипсис неизбежен ,опять же цитата из романа Токарчук «Она посмотрела наверх: небо было словно донышко консервной банки, в которой Бог запер людей».#####
«Улитка на склоне» Авторы А. и Б. Стругацкие. Режиссёр Пётр Шерешевский Автор инсценировки Семён Саксеев Художник Анвар Гумаров Композитор Ванечка (Оркестр приватного танца) Художник по костюмам Варвара Гурьева Художник по свету Алексей Попов Саунд-дизайн Дарья Кузнецова, Даниил Скорев Видеохудожник Вадим Кайгородов МТЮЗ. Генеральная репетиция. Идеальный режиссерский, актерский спектакль с великолепным визуальным и музыкальным рядом. По другому и быть не могло Петр Шерешевский на данный момент один из главных режиссеров страны, художник Анвар Гумаров один из ведущих театральных художников современности, музыка Ванечки (Оркестр приватного танца) всегда украшение постановки любого режиссера. Еще одна яркая роль для одного из моих любимых актеров театра Ильи Смирнова, в окружении не менее прекрасных Антона Коршунова, Сергея Волкова, Марины Зубановой, Константина Ельчанинова, Полины Кугушевой, Сергея Погосяна, Александра Тараньжина, Ольги Гапоненко, Оксаны Лагутиной, Евгения Кутянина, Всеволода Володина, Натальи Златовой. Постановка идеальная режиссерски, но не уверен что идеальна и проста для зрительского понимания. Самый сложный и путанный роман Стругацких отчаянно сопротивлялся в переносе на театральную сцену, в инсценировке теряется связность действия и растворяется смысловое содержание.
«Правек и другие времена» Ольга Токарчук. Режиссер Светлана Землякова. ГИТИС режиссерский факультет. Мастерская О. Л. Кудряшова. Под скромным названием «Зачет по сценической речи» скрывается перспективный, непопадаемый в дальнейшем, очередной блокбастер студенческого театра Мастерской Кудряшова, выходящий за пределы учебной аудитории и студенческих этюдов, от одного из самых тонких, профессиональных , непредсказуемых в выборе материала режиссеров столицы Светланы Васильевны Земляковой, выпускающей исключительно театральные зрительские и кассовые хиты, даже ее студенческие постановки становятся событием и после выпуска и продолжают жить дальше. Ольга Токарчук польский писатель лауреат Нобелевской и Букеровской премий, ее главный роман «Правек и другие времена» лестно сравнивают с романом Маркеса «Сто лет одиночества». Роман Маркеса до недавнего времени считался неподъемным даже для кинематографа, не говоря уже о театральных постановках. Тем не менее на данный момент, уже существует ряд вполне солидных и точных театральных версий. За роман Токарчук еще не брался никто. С ним все гораздо сложней. «Правек — это место, которое лежит в центре вселенной», говорится в самом начале романа. Маленькая деревушка в центре Польши оказывается символом польского XX века и метафорой всего мира, волшебным и непостижимым круговоротом, где реальность тесно переплетена с пространством мифа, христианство с язычеством, цивилизация с природной стихией, а тихая повседневная жизнь — с железной поступью истории. Семейные хроники двух родов, «Божских» и «Небеских» три их поколения, на наших глазах превращаются в летопись рода человеческого». По сути это сборник рассказов, где события хоть и в хронологическом порядке представлены хаотично, но все таки вращаются вокруг одного стержня, мистического места деревушки Правек, в итоге смерть Правека становится по сути и концом Мира. Мир не может существовать, если не стало его центра. События романа охватывает почти век, с 1914 года до начала 80 х. Формат студенческой постановки не предполагает охвата всего того что в нем происходит, действие там очень плотное. Светлана Васильевна, пока во всяком случае, ограничилась хронологически связным действием в период между двух главных войн, когда война, то, что полностью меняет не только уклад жизни, но и характер людей, открывая в них, даже в тех кто что казался вполне милым человеком, все самое страшное, грязное, до этого времени лежащее, где то в глубине души. Если первая мировая война прошла мимо деревни по касательной, то вторая прошлась по ней уже катком. МИР для Земляковой в ее постановке умер уже после второй мировой войны. В спектакле представлены все жанры магический реализм, семейная сага, ирония, мистика, триллер и даже эротика. Сплетены воедино, война и мир, радость и печаль, любовь и ненависть, поиски бога, когда он по сути рядом, потеря бога и веры и еще много всего. Задействован весь курс, каждый выход молодых актеров готовая цельная в общем вполне законченная история, заставляющая зрителя сопереживать до слез и воспринимать проблемы персонажей, как свои личные, путь хоть и на время пока длится спектакль. Это тот случай, когда о студенческой постановке можно долго говорить, разбирать каждую сцену, а можно просто смотреть наслаждаться магическим реализмом мастерства Светланы Земляковой с осознанием того, что хорошему режиссеру не нужны дорогущие декорации, костюмы и экраны, он выстроит и сделает для зрителя близким и объемным любой из миров, даже фантастический, минимальными средствами, и работой студентов, которые еще не закончив обучение уже способны творить на сцене чудеса.
Кроме как провала на своей территории КБ потерпел полный провал и в дочерней организации «Театре Мельников» как там «Он хотел въехать в город на белом коне, но на мосту видно мельник взгляд бросил косой» и похоже сглазил, собственная объявленная премьера была отменена без шансов на возобновление, премьера другого режиссера тоже и судя по всему дальнейшая деятельность пойдет по откатанному пути в Театра на Бронной, труппу Театра Мельникова разгонят. В остальных театрах не шатко ни валко, вяло поддерживают видимость творческой деятельности. Лучшие спектакли Москвы первой половины театрального сезона. «Медовый месяц в Кукольном доме» Петр Шерешевский ТЮЗ. «Шинель» Антон Федоров Пространство внутри. «Курьер» Владимир Панков Центр драматургии и режиссуры. «Самоубийца» Николай Рощин МХТ им Чехова, «Старший сын» Андрей Калинин МХТ им Чехова. Дополнительно, вышедший в ГИТИС считающийся студенческим спектаклем, но выходящий далеко за пределы учебной работы «Гамлет — ошибка» Татьяны Тарасовой.
Две премьеры претенденты на лучшие спектакли сезона «Самоубийца» Николая Рощина, «Старший сын» Андрея Калинина и громкая недооцененная премьера «Чайки» Константина Хабенского, что бы там не было уж точно неординарная и выделяющаяся из общего тотального театрального шлака, одни только споры вокруг нее превратили одновременно выпушенную очередную «Чайку» в КБ в Театре на Бронной в невидимку. На втором месте конечно РАМТ уже который сезон не снижает планку качества, игнорируя закон вероятности прокола при таком большом количестве выпускаемых премьер. Третье место разделили два вроде бы совершенно разных во всем малых театра «Пространство внутри» и «Шалом». Первый становится центром интеллектуального театра и имеет в активе «Шинель» Антона Федорова один из главный претендентов на лучший спектакль сезона, второй восхищает разнообразием репертуара, смелостью экспериментов и при всем разнообразии материала для постановок в любом случае сохранением национально- культурной идентичности. Театр Вахтангова выпустил две проходные премьеры режиссера середняка и молодого режиссера объединенные тем, что оба недопустимо ( Римас Туминас на которого до сих пор стараются держать ориентир, никогда бы такого не позволил) разговаривают с авторами своих постановок «На Ты ! » и идут не поверх, даже не параллельно заложенного авторами смысла, а до лобового катастрофического столкновения поперек него. Аскар Галимов после конфронтации с Вампиловым в «Утиной охоте», где его режиссерскую беспомощность спасли актеры, днями пошел поперек самого Чехова перекроив «Вишневый сад» изменив даже название на «Зимний сад», ,Антон Павлович незримым присутствием режиссерскую репутацию парня окончательно уничтожил, такого количества негатива который массово вылили на постановку и обвинений в профнепригодности, давно я не видел. Февральская премьера в Вахтангова так же с весьма сомнительными перспективами на шедевральную. Одна надежда на две премьеры марта. Театр Наций позиции уже сдает, но статус популярного театра для состоятельной публики, места для выгула нарядов. каст в виде медийных актеров, вне зависимости от качества постановок в любом случае кассу сделает. Театр на Бронной ничем не порадовал буколическая пастораль из Шукшина от Марины Брусникиной «Калина красная» не способная украсить репертуар даже куда менее пафосного театра, очередная вызывающая оскомину узнаваемостью деталей и приемов вторичная «Чайка» художественного руководителя слепленная из всего того, что у него уже было раньше и не раз, не вызвавшая никакой реакции ни у зрителя ни у критиков, поставил и поставил, отзывы ограничились парой фанатских оргазмов.
Театральные итоги сезон 2024-2025 первое полугодие. По прежнему уверен, что главный в театре режиссер и постановки должны быть именно режиссерскими, тем более то что можно назвать хорошая постановка, то что в последнее время укрепляется оправдательное определение режиссерской беспомощности «актерский спектакль» один из признаков глубокой регрессии театральной жизни и примитивизации вкусов зрителя, ведущей к дальнейшей варваризации. Поэтому начнем с режиссеров. Еще продолжают творить последние режиссерские гении Гинкас, Додин, Фокин, Бородин, Погребничко с годами их мудрость вышла на новый уровень, когда молчаливые паузы в спектаклях говорят больше тысячи слов и твердая убежденность, если еще есть и хочется, что то сказать, то нужно делать это коротко, а не растекаться мыслью на несколько часов. Их творения, не нуждаются в оценке, уже все давно всем доказано. За пределы каких то рейтингов и оценок пришли им на смену Андрей Могучий и Николай Рощин. Лучшие режиссеры страны разделились на две тройки. Первая Петр Шерешевский, Антон Федоров, Роман Габриа. Все трудяги, способные продуктивно работать в любом театре страны ,с любой даже самой провинциальной труппой, каждый со своим уникальным режиссерским языком, путь каждого к нынешней известности, точно не был легким и усыпанным розами. Вторая Никита Кобелев, Андрей Прикотенко, Андрей Калинин в последние несколько лет, даже не то что вышли на новый для себя уровень, а установили немыслимые театральные рекорды в прыжках в высоту. Опять же особняком в рейтинге стоят два уже известных режиссера, которые так же в течении нескольких последних лет смогли побить собственные личные профессиональные рекорды, расширив и стереть границы жанров в которых работали раньше, вплоть до их полного исчезновения, вступив в пору «акме» Владимир Панков и Евгений Писарев. Претендент на главного, хотя бы по степени известности, режиссера страны Константин Богомолов застрял в прошлом, не смог показать хоть какого то творческого роста и если раньше был вечным вторым за спиной Кирилла Серебренникова, то сейчас совсем выпал из обоймы, если дело пойдет и дальше такими темпами, то может повторить судьбу былого реформатора театра, мастера эпатажа прошлого века Андрея Житинкина. Лучшие театры в первом полугодии. На первом месте МХТ им Чехова.
Это все помимо банальности в виде куч снега, присутствие которого ставшего просто обязательным в каждом спектакле любого театра, груженный до потолка воз с приданным, едущий с Татьяной в Москву и Татьяна с элементами балерины от Туминаса , муж Татьяны жертва то ли ожога, то ли химической атаки в плотной несгибаемой резиновой маске с «Любви по Маркесу» мужественный Олег Сапиро ( очередной актерский подвиг) даже стесняюсь предположить, каким местом в это время вынужден был дышать и при этом выдавать текст, и еще много много всего. Вопросов постановка вызывает больше, чем дает ответов на эти вопросы о чем, зачем поставлено если сказать нечего и почему все так вторично или откровенно заимствовано. Один из вопросов, зачем вполне самодостаточная прекрасная актриса Татьяна Аугшкап в роли матери Лариных говорит и даже двигается как Светлана Немоляева, почему Татьяна в сцене написания письма валяется в ночной рубашке на полу выгибаясь и принимает причудливые на грани приличий позы мартовской кошки, как Игорь Шаройко в общем то неплохой хореограф со школой «Гоголь центра» умудрился создать такую физкультурную примитивную хореографию. Итог- опять же народное буриме приписываемое перу Баркова «Ну что у Лариных? – Х...ня. Напрасно поднял ты меня». Постановка для совсем уж падкой, как сорока на красивости, непритязательной публики, которая уходит со спектаклей Туминаса, да и постановок Перегудова ранее не видела, у которой даже снег на сцене еще способен, как у африканских аборигенов, вызывать восторг и фан клуба стремительно набирающего популярность актера Мамуки Патарава, вызывающего меньше всего вопросов, которому при его потенциале, еще бы режиссера хорошего.
На, вот, возьми ее скорей». В это момент Онегин -Мамука Патарава вытаскивает розу и бросает ее в зрительный зал, дамы из категории, что смотрят «точкой джи» и ждут когда можно будет дать монетку, в похожей сцене, от другого секс символа Макса Севриновского в «Утиной охоте» Театра Вахтангова в восторге, похоже места в ближнем патере справа пойдут по завышенной цене, еще больше эту банальность усугубляют. Итогом в народном буриме «Зима. Крестьянин торжествуя, Насыпал снег на кончик... палки. А на сосне сидели галки. О летнем солнышке тоскуя» оказывается куда больше смысла и креатива, чем во всем тексте спектакля. Избыточный о природе, погоде и на отвлеченные темы рваный текст в первом действии утомляет, усыпляет и раздражает своим смысловым бессилием. Бесполезный, безнадежный, безличный, бесконечный первый акт наконец заканчивается, а во втором наконец мы увидим то, ради чего спектакль похоже создавался главную ИДЕЮ заключенную в красоте финала, как известно запоминается в основном финал, если он яркий уже половина успеха обеспечена. Финальная сцена, висят настоящие капающие сосульки, которые Онегин рискуя своим здоровьем и здоровьем зрителей первых рядов, после отказа Татьяны сбивает тростью. Красота нереальная, народ в восторге и тает вместе с сосулями, и оно бы ничего, если бы сосульки так же не капали только что в «Лавине» Шалома и не таяла ледяная глыба в «Макондо» Архангельского театра. Второй акт длится час и сорок минут из него занимает подробнейшая сцена дуэли, так же вызываюшая множество вопросов. Сцена усыпана одеялами под которыми, как оказывается лежат главные и не очень герои, как мы помним повод для дуэли возникает на именинах Татьяны. Если брать в учет сценографию и дату Татьяниного дня, то именины похоже проходили не в усадьбе Лариных, а в каком то студенческой общежитии или общине сквоттеров, когда народ после пьяной вечеринки вповалку просыпается утром не совсем понимает где находится и где чьи трусы разбросаны ( а что такого, у Эйфмана в балете Онегин Ленского вообще на сельской дискотеке ножиком убивает). В общем минут двадцать, их этих одеял выковыривают участников дуэли, приводят их в порядок, наконец кратенько дуэль и мучительная для актеров и зрителей длительная агония Ленского, тут и Ольга блуждает в огромной наволочке, как Карлсон пугающий воров, Ольга с бабочкой на палочке определяющей смерть поэта (Бутусов к сожалению, не успел авторские права на этих бабочек запатентовать, а то бы сказочно обогатился) танец перетаскивание трупа Ленского Онегиным, в ноль позаимствованный из «Отелло» Някрощюса, когда Отелло убивал Дездемону, хорошо что обошлось без музыкального сопровождения в виде «Поэмы» Фибиха, далее труп таскает Семен Алешин — Зарецкий, потом Ольга принимает эстафету и даже пытается произвести какие то реанимационные мероприятия. Какие физические мучения в это время испытывал двухметровый Никита Языков -Ленский знает только он, но искусство требует жертв, а режиссер Перегудов еще больших. Ну ладно бы была позаимствована только сцена танго смерти от Някрошюса, кто сейчас это уже помнит, но куча идей без каких либо реверансов перенесены из совсем уж свежей постановки того же «Онегина», молодого режиссера Мурата Абулкатинова, которая на фоне этой реально выглядит шедевром режиссуры и зрелой работой мастера. Тут и заброшенная пыльная усадьба в которую изначально приходит Татьяна, серый замогильный антураж, фольклорные песнопения с гаданиями, и даже пробежка Татьяны, у Марата она была достаточно длинной, а Перегудов ,как учитель и мэтр пошел дальше, что уж мелочиться и Татьяна- Варвара Бочкова посрамив легендарную марафонку Кэтрин НДЕРЕБА накрутила семь огромных кругов, похоже очень важных для раскрытия зрительского понимания сюжета, сцена- зрительный зал и нашла в себе сил продолжать спектакль дальше.
«Евгений Онегин» Автор Александр Пушкин. Постановка Егор Перегудов. Сценография и костюмы Владимир Арефьев. Хореограф Игорь Шаройко. Театр им Маяковского. Предпремьерный показ. Егор Перегудов, всегда считался режиссером относительным ,не умеющим работать ни с литературной основой, ни с актерами, свою несостоятельность скрывающий под навороченными дорогостоящими декорациями, усложняющими и так непростую задачу для участвующих в очередном шедевре актеров своим наработанным ранее мастерством, опытом или своим авторитетом, хоть как то спасти провальные постановки. На сцене то возы мокрого сена, то озера воды, то сцена вращается как карусель с дымом и выстрелами, то еще какие- нибудь сценографические придумки, оно бы и ничего, но чудеса сценографии не подтягиваются под взятую в работу авторскую историю, а наоборот история изо всех сил, практически всегда нелепо и бездумно вытягивается и натягивается на чудеса сценического креатива режиссера и его художников. Но всему приходит конец, собственные идеи у режиссера и сценографа рано или поздно заканчиваются и оба, как доктор Франкенштейн собирают очередной спектакль из кусков всего, что было у себя же, что когда то виделось, слышалось и думалось другими, в основном вне какой то логической связи, когда нос может оказаться на коленке. Режиссерские находки ошарашивают мгновенно, в первые минуты неожиданно для себя (Пушкин так вообще был бы в шоке) узнаешь, что Ленский оказывается иудеем. Нет не подумайте, что он в какой нибудь голой сцене предьявляет Ольге или друзьям, по пьяни, этому явное доказательство, а тем что груда камней в углу сцены оказывается его могилой. Пришедшая к ней Татьяна (русская душою, Сама не зная почему) кладет на нее еще один камень, что так же дает почву для сомнений и в ее национальности. И понеслось. Основа декораций унылого длиннющего первого акта серая стена, в точь такая какая была в «Любви по Маркесу» но не раскрашенная, а серая, как и все первое действие. Скудная мебилировка, сидячая ванна посреди сцены, куда никто ни разу так и не сел. В течении почти двух часов на этом фоне актеры, как кто уж может, молодые совсем уж плохо, перекидываются текстом Пушкина. Очередная вершина режиссерского креатива, авторский текст вылетает разрозненными кусками, непредсказуемо, как шары в лототроне куда заложили куски Евгения Онегина, которых ,как ни странно показалось мало, дополнили стихотворениями и набросками, то что вылетает вроде как иронично проговаривается в стиле буриме (литературная игра, заключающаяся в составлении юмористических стихов на заданные рифмы) инсценировка не предполагает Пушкинскую борьбу с использованием банальных рифм, когда неожиданное их применение преодолевает эту банальность. Ну например, как в этом куске вошедшим в спектакль «И вот уже трещат морозы И серебрятся средь полей... Читатель ждет уж рифмы «розы»,
«Курьер» по повести Карена Шахназарова. Режиссер Владимир Панков. Хореограф Екатерина Кислова. Художник постановщик Максим Обрезков. Центр драматургии и режиссуры. Предпремьерный показ. Официальная премьера только в феврале спектакль еще практически никто не видел. Поэтому отзыв без особых подробностей и спойлеров, чисто на эмоциях. Владимир Панков гений ааааааа !!!!!!!!! Екатерина Кислова участие которой определяет 50 процентов любой постановки Панкова, лучший хореограф Москвы и очень жаль, что ее деятельность ограничивается рамками ЦДР, хотя когда ей время взять, при таком уровне спектаклей театра, когда нужно выверять каждое минимальное движение актеров, почти полном отсутствии в ее хореографии синхронных движений, работать с каждым даже эпизодическим персонажем отдельно, еще и попасть в жанр, время действия и характер персонажа. Екатерина Кислова гениальнааааааа !!!!!.Даже Максим Обрезков в общем то обычно довольно предсказуемый в своей сценографии, уж больно его везде много, в этой компании подтягивается, его декорации и использование пространства становятся максимально эксклюзивны, продуманна каждая деталь интерьера, костюма и даже работающий телевизор становятся полноценным героем постановки. Самое главное Владимир Панков, как волшебник может раздвигать границы сценического пространства, когда маленький зал театра становится островком огромного мира за его пределами и зрителю не нужна машина времени чтоб вернуться в прошлое и подзорная труба. чтоб увидеть будущее, раздвигать границы времени, когда история из 80 х годов, без каких то переносов действия, и уж тем более связка мать- сын, становится практически вневременным известным библейским сюжетом. Уже практически никто , как Панков не может ставить так ,чтоб мягкая ирония выглядела улыбкой сквозь слезы, смех становился триггером грядущей трагедии и щемящая нежность действия в финале завершалась мощным ударом в солнечное сплетение. Ну и конечно уникальная труппа театра, актеры который могут совершенно все, танцевать, петь не выходя из драматургии , мгновенно без пауз и склеек переходя из одного жанра в другой. Итог — один из главных претендентов на лучший спектакль сезона, юный Александр Фокин в роли Ивана Мирошникова на открытие года, до официальной премьеры спектакль уже стал блокбастером и в дальнейшем попасть на него будет очень сложно. После недостижимой для многих вершины режиссерского мастерства «Скоморох Памфалон» спектакля для подготовленного умного зрителя, Владимир Панков поставил, своего рода, «Покровские ворота 80 х годов» с мостом в современность, для самой широкой зрительской аудитории.
дипломатом, помог президенту уцелеть в перевороте, не тот характер чтоб так тупо открыться кому либо с улицы. Ну и финал вызывающий своей, вроде как лафонтеновски- эзоповской, смелостью восторг у зрителя, который сейчас даже в Колобке способен увидеть диссидента и в Репке попытку государственного переворота, как все чаще становится в последнее время финал ради финала, выглядит чисто манипулятивным режиссерским ходом. Итог- с таким актерским составом и в стенах Театра Наций, любая постановка любого режиссера обречена на успех и что копья ломать разбирая ее недостатки и пытаясь найти достоинства.
"Тартюф" Ж. Б. Мольер. Режиссер Евгений Писарев. Художник Зиновий Марголин. Художник по костюмам Ольга Шаишмелашвили. Театр Наций. "Очень скромное обаяние и осязание буржуазии" при отсутствии "Теоремы". После нескольких прогонов постановку, похоже сняв с легкого пера бывшего кинокритика переобувшегося в театральные блогеры, окрестили буржуазной. Если ее считать буржуазной , то исключительно в контексте и стиле, когда в советские времена все что происходило по сюжету в Европе и Америке снималось на Рижской киностудии. В постановках пьеса ранее не раз уже использовалась, как сатира на буржуазное общество, с опять же достаточно частым режиссерским ходом, когда сарказм "Скромного обаяния буржуазии" Бунуэля, шел в сопоставлении Тартюфа с героем "Теоремы" Пазолини и через него вскрывались все пороки буржуазного общества. В этом плане самая известная версия Михаэля Тальхаймера с Ларсом Айдингером, где режиссер обошелся даже без финала, в котором Тартюф наказан, крах буржуазной системы неминуем, буржуинам остается только молится. Призрак коммунизма давно уже не бродит по Европе, но призрак режиссера Данила Чащина похоже , хотя в этом сезоне нигде не заявлено ни одного его спектакля, как золотой коммерческий эталон продолжает бродить по Театру Наций. Его узнаваемый стиль основа которого красивые декорации и костюмы, известные актеры, каждый из которых в максимально предсказуемом амплуа, словно уже играл в этой же постановке в другом правда театре, а тут принес в нее собственное уже откатанное ранее собрание всех своих ролей чохом, не морочась состыковкой с партнерами и отсутствие внятной режиссерской идеи, незримо присутствует и в этом не Чащина спектакле. Даже двухэтажная декорация Зиновия Марголина и та выглядит вылинявшим косплеем Максима Обрезкова из "Кто боится Вирджинии Вулф?" , да и любой из декораций Ларисы Ломакиной к любому спектаклю КБ. Евгений Александрович рискуя прослыть ветренным мужчиной чередует в своих спектаклях двух на данный момент самых востребованных женщин художников по костюмам Викторию Севрюкову и Ольгу Шаишмелашвили. В данном случае у Севрюковой не было ни одного шанса незаменимая когда требуется создать, что то кутюрное между стилем Дивайна и Карамболина- Карамболетта в радуге цветов бензинового пятна в луже, но костюмы предапорте никогда ей особо не удавались, примером тому единственное простого кроя платье цвета морской волны в предыдущей постановке Евгения Писарева "Плохие хорошие" которое расширяет и укрупняет приму театра в стороны, превращая то ли в археологическую богиню плодородия, то ли в сценический клон скульптуры "Родина- Мать". Ольга Шаишмелашвили, куда как более универсальна и для показа гламурным знающим толк в моде зрителям театра Наций французский шик, выбрана именно она. Костюмы и пеньюар для самой красивой актрисы Москвы Анны Чиповской в роли Эльмиры совершенны. Но все это сценическая шелуха, главное в спектакле нет главного героя, какой именно Тартюф в этом спектакле, похоже точно не знает даже сам режиссер. Первое появление совершенно искренний в своих чувствах, потерянный влюбленный мальчик, который реально ищет и нуждается в ответной любви.Что там происходит с ним дальше логическому объяснению не подлежит, по ходу действия возникает то одна то другая версия, от парень которого не приняли в семье вынужден защищаться и его понесло, до банальной мести за нанесенную обиду, при этом сказать что Тартюф какой то там лживый мерзавец тоже невозможно, в кои то веки его становится жалко. Если как было в каком то интервью Тартюф АнтиМышкин с "Идиота" Достоевского, то и тут возникает масса нестыковок. В итоге образ разваливается и Сергей Волков- Тартюф играет Сергея Волкова, как всегда прекрасно играет и играет как всегда и всех своих прежних театральных героев. Тоже самое с Оргоном- Игорем Гординым, одни вопросы, все предполагаемые версии с чего он проникся к Тартюфу в итоге так же разваливаются на ходу не получая аргументарного подтверждения, включая самую популярную одиночество в семье, когда отчаявшись проникаешься доверием к первому встречному, он явно раньше был политиком и
Постановка Додина входила во внеконкурсную программу фестиваля, как одна из вершин режиссуры, являющаяся сама по себе лучшим ее уроком, но что интересно, символично, своего рода передача эстафеты, победителем фестиваля вполне заслуженно (постановка уникальная ни один режиссер Москвы, даже близко не сможет достигнуть ее высочайшего уровня), стал «Скоморох Памфалон» Центр драматургии и режиссуры Владимира Панкова, те же вопросы без ответов заданные Додиным в концентрированном виде, у Панкова становятся подробным разговором с попытками поиска различных возможностей выхода из тупика. Фестиваль выдохнув в театральную жизнь столицы поток свежего воздуха к сожалению закончился, дав возможность молодым и уже состоявшимся режиссерам встретиться друг с другом, обменяться опытом, дал на надежду на то то театр несмотря на весь негатив, который с ним происходит, все еще жив, вечен и что бы там не было рано или поздно выйдет из нынешнего состояния анабиоза..
«Биеннале театрального искусства. Уроки режиссуры» «Палата №6» Режиссер и автор инсценировки Лев Додин. Художник Александр Боровский. Малый драматический театр Европы. Санкт- Петербург. В рамках внеконкурсной программы фестиваль привез в Москву одну из главных премьер последних лет – «Палату №6» Малого драматического театра – Театра Европы (Санкт-Петербург). Постановка – Льва Додина; он же – автор пьесы, написанной по мотивам повести А.П. Чехова и ставшей литературной основой спектакля. Режиссеры возраста и уровня Льва Додина, уже давно все всем доказали и практически все ,что хотели сказали, поэтому работы всех последних гениев театра, как правило небольшой продолжительности, не следуют четко за авторским сюжетом, их сложно назвать постановками, это скорей личное ВЫСКАЗЫВАНИЕ на тему, которая беспокоит человека, который прожил жизнь, видел и знает ее во всех проявлениях, поэтому может себе его смело позволить. Режиссер становится практически медиумом связывая выбранного им автора со зрителем, пытаясь совместно в ним найти отклик у сердцах и умах смотрящих умеющих слушать и слышать, тем не менее каждый писатель и режиссер, до известной степени, изображает в своих сочинениях самого себя, часто даже вопреки своей воле. Чехов писал, это применимо и к режиссерам «Писатели, которых мы называем вечными или просто хорошими и которые пьянят нас, имеют один общий и весьма важный признак: они куда-то идут и Вас зовут туда же… Лучшие из них реальны и пишут жизнь такою, какая она есть, но оттого, что каждая строка пропитана, как соком, сознанием цели, Вы, кроме жизни, какая есть, чувствуете ещё ту жизнь, какая должна быть, и это пленяет Вас.» Все хорошие спектакли похожи тем, что они правдоподобней действительности, когда ты заканчиваешь их смотреть, то остается ощущение, что все показанное произошло именно с тобой, если такое происходит постоянно, то режиссер из хороших переходит в ранг великих. В «Палате № 6» Додин переосмысливает Чехова, задаваясь вместе с ним вопросом, как можно жить и выжить в мире, где уже давно ничего не меняется к лучшему , даже шанс на какие то перемены призрачен. Для этого, как оказалось совершенно необязательно, показывать все реальные страдания и мучения, в духе все мы запуганные возможностью насилия пациенты этой самой палаты из которой нет выхода, достаточно монологов двух Чеховских героев доктора Рагина (Сергея Курышева) и одного из пациентов Громова (Игорь Черневич) предельно тихие, создающие неудобство для зрителя, который вынужден работать вместе с актерами напрягать слух и мозг, чтоб их услышать и понять. Когда то так же пытались заставить зрителя услышать себя Федя Протасов и Валерий Фокин в спектакле «Живой труп» Александринского театра. Две постановки объединяет, кроме этого сценография Александра Боровского, в которой герои видят мир через прутья решетки. Монолог Протасова сидящего практически в подвале ниже уровня сцены за решеткой, так же произносился без форсирования голоса и крики возмущенных зрителей в огромном зале Александринки «Ничего не слышно, громче!» становились и участником действия и аргументом, что никто не может и не хочет даже попытаться, сделав над собой усилие, подключив все чувства и эмпатию разделить боль героя.
«Любовь.Блок.» Автор и режиссер Алла Дамскер. Художник Мария Утробина. Композитор Петр Налич. Пресспоказ. Пространство внутри. Лимит хитов и неординарных постановок на 2024 год в Пространстве внутри похоже был исчерпан. Последняя премьера года, выглядит неуклюжим непропеченным колобком, муку пополам с отрубями для которого собрали по сусекам. Ну ладно, то что для написания подобной пьесы достаточно пары дней и пары статей в Яндекс Дзене, или пара ссылок в поиске Гугла, не всем же писать на эту же тему, как Братья Пресняковы и ставить как Владимир Агеев живущих до сих пор «Пленных духов». Но, во всяком случае для меня, главное, что ее сценическое воплощение более чем спорно. Посыл и постановочная схема вполне ясны, Александр Блок в пьесе «Балаганчик» как раз описал, свою, ну пусть будет любовную историю, не так чтоб редко встречающийся у богемы в период Серебряного века «любовный треугольник», где Александр Блок, его жена Любовь Менделеева и друг семьи Андрей Белый ( он же Борис Бугаев) стали персонажами дель арте Пьеро, Коломбиной и Арлекином. Режиссер и автор постановки, так же эту реальную историю рассказывает языком площадного театра. Принципиальная разница, пьеса Блока хоть и балаганчик, но вполне серьезное оскорбительное высказывание, для ее героев стала переходной чертой в отношениях, началом конца, точкой невозврата, в же подаче Аллы Дамскер она превращается в условную, практически комедийную, натужно веселый, почти глумливый тон в представлении чувств героев, делает непонятным отношение к ним автора пьесы. Кто они для нее придурковатые чудики, эмоционально лабильные психопаты? Стоит ли серьезно к ним и их дурачествам относиться? Что бы то не было, все трое по сути были глубоко трагическими персонажами, неважно насколько здоровыми психически, если рассматривать через психоанализ, у всех поводов стать не такими как все, было более чем достаточно, присутствовали детские и взрослые психотравмы, физические и эмоциональные зависимости, нашедшие позже выражение в творчестве и они не заслужили снисходительного насмешливого к себе отношения, когда эфемерный стильный балаганчик превращается в ярмарочный потешный балаган, а история их жизни в школьное сочинение.
Все остальные герои максимально земные и живые, практичная Нина- Анна Затеева, роковая Наталья Макарская одна из самых красивых актрис столицы Юлия Витрук, уже наверное взошедшая главная молодая звезда МХТ Илья Козырев- Васенька, харизматичный босяк Сильва- Алексей Варущенко, Антон Лобан прямолинейный Кудимов с несгибаемыми принципами. Мистический компонент, вносит еще и раздающаяся из старого живущего своей жизнью и включающегося и выключающегося, когда ему самому вздумается радиоприемника, музыка авторская и аранжированная Андрея Бесогонова. Вроде все заканчивается прекрасно и счастливо, даже музыка к Сарафанову вернулась, но в финале режиссер резко разворачивает действие и пожилой человек снова остается один в черной гробовой комнате с телевизором, где уже не показывают кино в котором возможен счастливый конец, картинки нет, только таблица настройки. Жизнь не кино и у нее свои законы, все что происходило с героями, что это было, сон , явь, воспоминания, предсмертный бред или просто мечты одинокого старого человека. Интересная деталь, навряд ли это было режиссерской задумкой, хотя кто знает у талантливых людей даже случайность закономерность, но сам фильм «Танцор диско» в начале вольно или невольно обозначил время действия .У Вампилова в пьесе действие происходит в конце 60 х годов. Фильм «Танцор диско», который смотрит Сарафанов вышел в 1982 году, то есть по сути это то что произошло с ним, уже после окончания Вампиловской истории, одинокая старость неизбежна. Итог- потенциальный зрительский и кассовый хит МХТ, претендент на лучший спектакль сезона.
«Старший сын» Александр Вампилов. Режиссер и художник Андрей Калинин. Художник по свету Тимур Саитов. Композитор Андрей Бесогонов .МХТ им Чехова. Предпремьерный показ. Не знаю кому пришла в голову гениальная идея о приглашении одного из моих любимых Питерских режиссеров Андрея Калинина на постановку в МХТ, но у него точно светлая голова и чутье на таланты. Андрей Калинин мало того, что прекрасный актер, но и в последнее время и неординарный режиссер, выдающий в Александринке один хит за другим, не разу пока не повторившись ни в жанре выбранного материала (всегда необычного и неизбитого), ни в режиссерском его воплощении. Кроме этого, еще и с поразительным чутьем на актеров, можно сказать, что именно он открыл для зрителя великолепного Ивана Труса в «Товарище Кислякове», одну из лучших ролей у него в «Боркмане» сыграла уникальная актриса Янина Лакоба, с неожиданной стороны проявился Дмитрий Бутеев в «Человеке из Дублина» и вот после успеха Николая Рощина с «Самоубийцей» в очередной раз Питерский десант высадился в главный московский театр и театр безусловно пополнил репертуар новым кассовым хитом и редким в последнее время повсеместно, качественным спектаклем. Для начала Андрей Калинин, как всегда удивил выбором материала, ну что можно найти в одной из самых затасканных в постановках пьес театрального репертуара, для которой за годы уже сложилось настолько стереотипно- дубовое непробиваемое восприятие и героев и сюжета, что даже попытка сломать его уже сама по себе режиссерский подвиг. В жизни любого режиссера всегда есть место подвигу, но далеко не всегда талант чтоб предполагаемый взрыв, не стал «пуком» в муку. Как предполагалось Калинин оказался мастером борьбы со стереотипами, создал уникальную постановку, где все совсем не то чем на первый взгляд кажется. После первых прогонов, ее уже окрестили олдскульной, классической, что совершенно не так, количество прикрытых в ней известным простым сюжетом подводных камней подсчету не поддается, тонкость деталей и резкие развороты действия в противоположную сторону делает режиссуру более чем современной. И вроде все на вид гладко и по тексту, но и история и герои существуют вне каких то стандартов восприятия. С самого начала задается условность происходящего (режиссер еще и художник спектакля), в темной задрапированной черным траурным крепом словно внутренняя сторона гроба комнате, сидит пожилой человек с кларнетом и смотрит индийский фильм «Танцор диско» в котором радость детей и веселые песни, уничтожаются жестоким миром и остается единственный ориентир для дальнейшей жизни, любовь к родителям, все для того чтоб родители могли встретить старость спокойно, достойно и в любви, как оказывается ждет прихода могильщиков и хоронит последнее, что у него осталось ценного- музыку, свой кларнет. К фильму мы еще вернемся. Сама пьеса Вампилова по сути сюжет индийского фильма с его потерянными и обретенными детьми, слезливой сентиментальностью с не очень реальным счастливым финалом. Главное для режиссера не утопиться в слезах и соплях самому и не притопить вместе с собой зрителя, не впасть в дешевый мелодраматизм. Андрею Калинину это удалось, заданная сценографией условность происходящего со сменой декораций во время действия, не дает принимать все на серьезном глазу, это все театр, иллюзия ,но тем не менее при этом сохраняется хрустальная нежность возникающих отношений между героями и спектакль воспринимается светлым и чистым, как слеза ребенка .Вернемся к разрушению стереотипов главных героев. Для начала, выстроено так, что нет главных и второстепенных персонажей, это общая история и командная работа. Александр Семчев- Сарафанов, не играет Леонова из известного фильма, даже, как в последнее время во всех спектаклях, самого Александра Семчева, паузы, полутона и минимум слов, человек для которого жизнь уже закончилась. Бусыгин- Кирилл Власов снежный принц, образ почти мистический то ли ангел, то ли демон, практически ангел смерти Брэд Питт в «Знакомьтесь, Джо Блэк» сюжет которого в какой то степени повторяет и режиссерский концепт спектакля.
«Ночь нежна» (исключительно, когда правильно подобрали психотропные препараты и антидепрессанты) или «50 оттенков безумия Николь». Узкоколейка по мотивам романа Ф. С. Фицджеральда. Режиссер Екатерина Половцева. Художник Эмиль Капелюш. Художник по костюмам Ирина Уколова. Предпремьерный показ. Театральное агентство «Арт -Партнер 21 век». Одна из самых ожидаемых премьер сезона и один из потенциальных претендентов на главный провал. В разговоре с известным режиссером , как то услышал. «Не страшно, если спектакль не получился , самое ужасное, если он неаккуратный». В данном случае , сочетание «не получился и неаккуратно-неряшливый». Екатерина Половцева прекрасный режиссер, но похоже все же малых форм, проекты большой формы у нее как правило, куда менее удачны. С романом Фицджеральда режиссер в своей инсценировке явно перемудрила, точней максимально его упростила, вдобавок в финале ввела в бытовой примитивизм. Две четко обозначенные части, первая Дик, вторая Николь, второстепенные персонажи уж очень второстепенны и эпизодичны, играют всего лишь роль статистов в истории этих двоих. В общем ничего страшного, недавно в Малом театре на Камерной сцене вышла другая версия с тем же акцентом, с подзаголовком Дик и Николь. Но у Половцевой в основе спектакля лежит исключительно тема безумия героини, которую она и мусолит в течении двух часов в ущерб главному герою Дику Дайверу, его личной трагедии не находится места, как сразу появляется в первом действии неопрятным, неухоженным мужиком с разбитым лицом, таким и остается на всем протяжении спектакля, никакой динамики от красивого обаятельного мужика душе любой компании до раздражительного злого на весь мир алкоголика, нет и в помине, выбор на главную роль Максима Виторгана, так же исключает авторский замысел, словно сценарий подгоняли под типаж. В итоге вся нагрузка и все личностные перемены легли на великолепную Марию Рыщенкову в роли Николь, которая два часа совершая актерский подвиг отчаянно билась изображая разнообразие психических отклонений своей героини, перепады настроений, проходя путь от психопатки до уверенной в своем здоровье и избавлении от психологических травм женщины, способной начать новую жизнь закрыв все двери в прошлое. Первая часть, она глазами мужа психиатра, вторая ее собственная версия, все герои через призму ее болезни. По сути и такой подход вполне имеет право на существование, но в финале режиссер видимо вспомнив о своей мегауспешной постановке в РАМТ «Мизантроп» по новой пошла по пути условности и вроде все происходящее это всего лишь сьемки фильма по воспоминаниям ведущей актрисы Розмари Хойт. Розмари играет восходящая звезда театра Вахтангова Полина Рафеева, ну как играет в основном присутствует и подает реплики, значимого места в истории Николь, как и Дика ей не нашлось. Героиня Рафеевой произносит заключительную фразу в контексте, что Дик и Николь обычные люди, и да оба героя уже выходят, как обычные люди участвующие в кинопроизводстве и иронично начинают перечитывать сценарий. Ну может и так, жизнь часто выдает романы и покруче, еще свежа в памяти история одного актера с разбитым лицом , который женился на богатой наследнице, в итоге был брошен в пользу более удачливого режиссера. Итог-сыроватая однополюсная сценарная история, сомнительный мужской каст, но не всем же быть молодыми Сергеем Виноградовым (Дик) и Дмитрием Певцовым (Томми) в самой удачной постановке романа Сергеем Прохановым в Театре Луны, замазанная кляксой финала.
