Хичкоку 125 Снова юбилей у одного из моих любимых деятелей кино. И снова, согласно КиноПоиску, самый просматриваемый мною, но в этот раз не актёр, а режиссёр. Надо это дело отметить примерно пятидесятым просмотром "Головокружения" и знакомством с ещё одним фильмом Хичкока.
Надо убольшать усилия по написанию заметок, а то так и буду праздновать чьи-нибудь юбилеи.
31 июля 2024 года исполняется 110 лет со для рождения одного из моих любимых актёров, с участием которого я посмотрел больше всего фильмов. Это великий французский комик Луи де Фюнес.
Какие-то новые люди на канал приходят, а я ничего не пишу. И пойди объясни им, что тут делают 20 пустых номеров.
P.S. Выгнать, что ли, вас...
P.P.S. "Дисклеймер" Я пишу заметки, чтобы составить (научиться качественно составлять) своё мнение на фильм и его отдельные стилистические, технические, драматургические, жанровые, исторические, идеологические и биологические особенности, чтобы выявить (научиться качественно выявлять) положительные и отрицательные или сильные и слабые стороны фильма, согласно моему субъективному мнению, а также для проведения анализа фильма на базовом уровне, если там вообще есть что анализировать.
Каждая заметка субъективна. Заметки – это скорее не рецензии, а мой дневник в мире кино. На моё впечатление от фильма может повлиять погода на улице, самочувствие и другое, хоть я и пытаюсь минимизировать эти факторы. На объём заметки может повлиять моя неопытность в каких-либо областях, лень, незаинтересованность фильмом или нежелание копаться в дерьме. Акцентирование внимания на конкретной особенности фильма может быть обусловлено моим интересом к этой особенности в дни написания заметки.
Некоторые заметки можно называть полноценными рецензиями, другие – субъективным очерком.
И не обижайтесь на то, что все фильмы старые. Когда-нибудь доберусь и до барбигеймеров и .
Я пишу заметки для себя. Появление возможности кому-то ещё видеть их, кроме некоторых моих знакомых – это ошибка природы.
P.P.P.S "!" – фильм просмотрен, заметка пишется "?" – скорее всего посмотрю фильм
Сказка на ночь или самоубийство фильмом (18.09.24)
Иван Грозный. Сказ второй: Боярский заговор (1945) – это экспрессивное продолжение драмы Эйзенштейна об Иване Грозном. Часто вторую серию не отделяют от первой, хоть эти фильмы не только разные по настроениям, но и по судьбе. Обе серии очень экспрессивны, но первая часть более монументальная, а вторая более живая, если не сказать что хулиганская. За первую серию Сергей Михайлович получил Сталинскую премию, а вторую запретили.
Сталину не понравилось многое. Опричники тут показаны не благородной постоянной армией, какими-то "конибалами и ку-клукс-клановцами". Царь местами получился не грозным, а "безвольным Гамлетом", кающимся за свои грехи, страдающим одиночеством, жаждущим завести друзей, как маленький ребёнок. Обвинял Сталин Эйзенштейна и в формализме: слишком увлёкся Сергей Михайлович тенями и показом бороды Грозного. И, конечно, Сталин уловил провокацию, сделанную специально для него, пещное действие. Да и в других сценах тоже присутствуют параллели с режимом.
Малость интеллектуальному зрителю без политических комплексов понятно, что всё вышесказанное нельзя записать в недостатки. О "правильных" и "неправильных", для Сталина исторических образах говорить сомнительно, хотя, как по-моему, суть передана весьма точно. Сцена пещного действия имеет исключительно антитиранический посыл. А формализм в переводе со сталинского означает сложную художественную выразительность, не всегда понятную пролетариям.
И формализма тут, к счастью, достаточно. Эйзенштейн в своих поздних фильмах сделал всеобъемлющим монтаж аттракционов. Если в "Стачке" это была лишь идеологическая метафора последовательным показом убийства несчастного животного и несчастных человечков, то в Грозном аттракционы стали вездесущи, выйдя за рамки монтажа.
Первыми же кадрами мы видим фигурки на шахматной доске. И режиссёр на протяжении фильма будет с ними играть так, что эмоции у зрителя будут литься рекой. Эйзенштейн внедрил аттракционы в мизансцену, в актёрскую игру, в декорации, в костюмы. Комплекс вышесказанного и есть художественная выразительность, которой автор не только выражает мысли, но и разит зрителя.
И чем же он разит? Яркими образами персонажей. Старицкие получились ещё более хара́ктерными, чем в первом фильме, им тут уделяется больше времени. Кадочников снова прекрасен в образе принца, как его называл Эйзенштейн. Ярчайшее комическое воплощение инфантильности. Ефросинья в этом фильме обелилась, да так, что ей даже сочувствуешь.
Другие персонажи часто интересны метафоричностью образов: мохнатый широкоплечий Малюта уж , на золотых узорах, в чёрном меху, с грозным взглядом, стройностью Черкасова представляется гепардом.
Могут метафоры и вторгаться на территорию биографии автора: как Эйзенштейн в детстве не утолил жажду жестокости, вспарывая животики плюшевым мишкам, а потом с особой жестокостью играл живыми игрушками в своих фильмах, так и царь в детстве недоиграл, а потом нагонял упущенное, учреждая войско личных игрушек, отделяя головы бояр от тела, наряжая братика, как куклу Барби, разыгрывая свою тётушку, делая другие занимательные вещи.
В общем, фильм – чистейшая комедия. Здесь лишь усилился стиль экспрессионизма, доведённый до комизма, что является следствием усиления монтажа аттракционов. Фильм потрясает своей и контрастностью. Перед ударом делается обратное движение (замах) для большего эффекта.
После долгой сцены пения колыбельной принцу, следует завораживающий пир опричников в цвете. За пиром следует сцена шествия в собор под хор, который Эйзенштейн велел Прокофьеву оркестровать, как стоны роженицы. В соборе, не должно было быть острых углов, а осветить помещение нужно было, подобно утробе матери. И результат потрясает. Создана атмосфера концентрированного саспенса и мистицизма, что позволило кульминационному убийству Старицкого с последующей родильной горячкой Ефросиньи обрести невероятную эмоциональность, подобную убийству матери с ребёнком на Одесской лестнице.
Из интересного: Хичкок считал сцену убийства Старицкого самой страшной сценой мирового кинематографа.
Иван Грозный (1944) – это эпическая картина Эйзенштейна о Иване Грозном. Даже не хочется говорить про историческую достоверность. Историю сначала подретушировали в угоду идеологии, а потом – художественности. Тем не менее фильм велик, даже если опустить вторую часть. Он нескучный. Конечно, есть части с размеренным повествованием, но они разбавляются комедийными штрихами и контрастируют с динамичными действиями, как бунт или битва с Казанью, приправленными захватывающей музыкой.
Начать хочется с декораций. Хоромы тут любопытные, если не сказать, что фарс-комедийные: Потолки высоченные, а дверные проёмы такие низкие, что всем персонажам приходится поклоняться перед ними. Как в "Докторе Калигари" пространство искажали нарисованные тени, гипертрофированные одни предметы и гипотрофированные другие, так и здесь. У Эйзенштейна, к счастью или сожалению, тени настоящие, мебель почти не привлекает внимание, но вот вышеупомянутая внутренняя архитектура палат весьма интересна. Потолки добавляют масштабности, а низкие округлые проходы создают впечатление мышиных норок в доме. Действительно, большую часть фильма мы наблюдаем за крысами государственного масштаба, которые грызутся за власть.
А что же крысиный король?. И снова стоит обратить внимание не техническую часть образа. Костюмы Ивана ближе к концу темнеют, как и его сознание. Хочется выделить конкретный костюм, интересный не только цветом. Это шуба из финальных кадров, в которой царь встречает люд. Её рукова расширяются в зоне предплечья так, что это создаёт впечатление крыльев хищной птицы.
Может показаться, что это неважные технические моменты и мои додумки, но это важно. Именно из подобных метафоричных деталей складывается сложный стиль и многосмысленность фильма. Словами фильм оправдывает Грозного, но визуально лишь подтверждает его тиранию. Жену, конечно, травят бояре, но он своей же рукой даёт ей отравленную воду, что подчёркивает одну из основных мыслей: царь стремится быть единым самодержцем, но получает и одиночество.
Но чаще всего художественные приёмы служат для величественности фильма и его главного героя, что лишь усиливает образ тирана. Один из таких приёмов – монументальная музыка Прокофьева. Есть и визуальные решения, как знаменитый кадр возвышенного поклонения народному шествию в финале. А как его возвышают тени! В мире теней он даже становится владыкой мира (кадр с астролябией).
Как по-моему, фильм является таким же эталоном мастерства работы со светотенью, как "Касабланка" и "Леди Гамильтон". Эти два гениальных фильма с не менее гениальным "Иваном Грозным" объединяют и годы съёмок. Все они снимались в годы Второй мировой войны не без цели поднять боевой дух народа. Наверное, в том числе поэтому фильмы получились столь глубокими и сильными. Но есть и ещё одна общая черта.
Это прекрасный актёрский состав и яркие персонажи фильма. Это и Серафима Бирман с её коварной и деспотичной героиней Старицкой под теневой вуалью. Это также комичный Кадочников в роли младшенького Старицкого, куколки с пухлыми губками и стеклянными глазками. Как выразился Сталин: "Он хорошо ловит мух. Тоже будущий царь, а ловит руками мух. Такие детали надо давать: они вскрывают сущность человека". А с Федькой Басмановым, влюблённым взглядом глазеющим на царя, и без мух всё ясно. Конечно, нельзя не упомянуть самого царя в исполнении Николая Черкасова, хоть актёров, стоящих внимания тут около десятка. Но какой же тут царь. Какие взгляды бросает. Какая театральная характерность.
Вообще, театральная характерность и переигрывание свойственно тут всем актёрам. Некоторые считают, что так играть нельзя: это портит фильм, это устарело. Но, как по-моему, заставить актёров играть так – это правильное решение. Это продолжает стилистику комедийного экспрессионизма. Каждый великий фильм – это немного комедия.
При всей самостоятельности и гениальности этого фильма у меня предчувствие, что это была лишь прелюдия. Главные действия будут в "Сказе втором".
Фантоцци (1975) – это сатирическая комедия Паоло Вилладжо о типичном в своей непримечательности и особенным в своей невезучести итальянском бухгалтере Уго Фантоцци. Фильм весьма любопытен, но неоднороден. Тут есть точные социальные посылы, примечательные стилистические моменты, огромное колличество глупых шуток, местами расплывчатое и нелогичное повествование.
Фильм во многом похож на другую знаменитую работу Паоло Вилладжо, "Синьор Робинзон". Это тоже любопытная сатирическая комедия с множеством глупых шуток. Да и социальный мотив у них один и тот же: жизнь обывателя ничтожна и трагична, но смешна со стороны. Рекомендую эти два фильма к просмотру людям, которые в кинематографе питаются исключительно глупостями. Оба фильма динамичны и несколько примитивны, но весьма неплохи: имеют некоторый стиль, а также непримитивную и ненавязчивую социальную составляющую.
То есть этот фильм, конечно имеет некоторую ценность. Он даже весьма привлекателен, несмотря на множество низких уродливых персонажей, которые часто кричат-визжат (я не только про сексуальную Марианжелу). Так что же тут хорошего?
Во-первых, актёры. Чего только стоит один образ Марианжелы. С другими персонажами и актёрами тоже самое: не Алёны Делоны, конечно, но свою характерность имеют. Паоло Вилладжо, само собой, тоже занимателен. Ведь именно он и писал оригинальный роман, адаптированный под сценарий фильма. Именно он, как никто другой, способен сыграть своего персонажа. Во-вторых, атмосфера. Этот фильм весьма правдоподобно передаёт атмосферу затюканной кризисами и левыми протестантами Европы 70х годов. Также стоит отметить некоторые занятные сцены, как встреча с заветным директором. Но, пожалуй, моя любимая – утреннее пробуждение Фантоцци, больше похожее на конвейерный процесс сборки электрочайника. В общем-то, в этой сцене весь фильм.
Из интересного: Многие упоминают то, что персонаж Жижи Редера, Феллини, является пародией на Федерико Феллини. Но интересно, что он ещё и снимался у Феллини 5 лет назад в комедии "Клоуны".
Тяжела и угловата жизнь советского солдата (22.08.24)
Офицеры (1971) – это драма о жизни солдата, о его семье и друзьях. Были ли когда-то качественные массовые фильмы о войне? Конечно, всегда имелись пропагандистские ничтожества в этом секторе, но ведь были и качественные: с драматургией, а не с примитивной моралью.
События этого фильма развиваются на протяжении пятидесяти лет: начинаются во время гражданской войны, а заканчиваются в спокойное послевоенное время. Конечно, сразу хочется отметить работу декораторов и костюмеров, которые колоритно передали своеобразие каждого периода.
Но если смотреть глубже, то можно заменить, что сценаристы тоже потрудились. В этом фильме, длиною в жизнь, есть место и комедии, и мелодраме, и трагедии, как и в самой жизни. И каждый момент, где, согласно сценарию, зритель должен улыбнуться или растрогаться, работает. Необязательно быть солдатом, чтобы понять персонажей этого фильма и почувствовать то, что чувствуют они. Фильм не многослойный, а весьма простой, но жизненный для каждого. Это редкий случай, когда результатом смешения нескольких жанров, в том числе военного, заставляет не испытывать отвращение ко всему, что происходит на экране, а сопереживать героям.
Почему так вышло? Наверное, сценарий удачный, а великие актёры и технические плюшки только улучшают ситуацию. Из технических моментов стоит отметить красивые кадры в пустыне и сцена выхода китайцев из воды на фоне алого заката.
Из актёров мне, конечно, больше всех интересен статный и грациозный Лановой, но другие тоже не ходячие вешалки. Импозантный Юматов и чувственная Покровская прекрасно играют, вернее – живут на экране. Более юные и совсем маленькие актёры тоже весьма выразительны.
Из интересного: Эпизодическая роль мамы Маши Белкиной была добавлена уже после начала съёмок специально для Музы Крепкогорской, которая приходилась женой Георгию Юматову, исполнителю главной роли. Юматов после травмы позвоночника стал часто выпивать. Авторы весьма резонно полагали, что присутствие на площадке жены гарантирует его трезвость.
Иван Бровкин на целине (1958) – это вторая часть похождений Ивана Бровкина. Суть осталась та же, стиль тоже, но всё стало чуть по-другому. Вместо армии деревенских парней отправляют пахать поля в Караганде, что, как по-моему, лучше. В общем, вместо того, чтобы воспитывать зрителя, сценаристы рекламируют очередной проект века, как БАМ, Магнитка и подобное. Конечно, не обошлось без сглаживания углов и приукрашивания реальной жизни. Но некоторая историческая ценность всё же осталась.
Да и развлекательная составляющая стала только лучше. Целинные пейзажи – это, конечно, не альпийские горы, даже не зелёные холмы, но тоже ничего. Даже не знаю, что ещё мне тут награфоманить. Писать тут особо не о чем. Фильм мне кажется весьма посредственным, как и прошлая часть, но этот хотя бы без морализаторства и с теми же хорошими актёрами. Бухгалтера сократили до минимума. Харитонов чуть повзрослел, немного растерял харАктерность, но под пивко пойдёт. Татьяна Пельтцер, как всегда заставляет улыбаться, а Пуговкин стал даже интереснее. Наверное, самые лучшие сцены фильма – его взаимодействия с председателем. Очень смешно и жизненно.
Из интересного: Редкий случай, когда популярность второй части больше первой.
Солдат Иван Бровкин (1955) – это провинциальная комедия с провинциальной мелодраматической линией. Фильм очень примитивный: художественная выразительность в нём почти отсутствует, зато есть воспитательный посыл, который, конечно, тоже провинциальный, если не сказать, что вредительский, а единственная сильная и однозначно положительная сторона фильма – актёры.
Главный герой в исполнении Леонида Харитонова – этакий Есенин, деревенский человек-катастрофа с кудрявой блондинистой мордашкой и творческой жилкой. Разница только в том, что он устраивает не пьяные феерии, а занимается вредительством на относительно трезвую голову. Ну и играет на гармошке, а не стишки пишет. Интересный персонаж получился, обаятельный.
Есть и ещё интересные персонажи. Боевая мамаша Бровкина в исполнении великой Пельтцер, Пуговкин, как всегда, производящий впечатление, но на этом, наверное, всё. Ну разве что у Блинникова снова получился фактурный советский "управделамичегонибудь". Но есть и чисто отрицательные образы. Бухгалтер в исполнении, в общем-то, весьма интересного и характерного актёра Шутова получился неприятненьким, но в этом виноват не актёр, а сценаристы. Им нужно выполнять приказы руководства: проводить воспитательные работы с населением.
"Не будте представителями манерной и подлой интеллигенции, а будте как сослуживцы Бровкина, в крайнем случае – как сам Бровкин, только грузовики в речке не топите, а сразу идите в армию. Там с вас состригут разгильдяйские кудряшки: научат вертеться на турнике, быть "ровным" мужиком и артиллерию наводить на врага."
Но уж лучше пусть это по федеральным каналам показывают, а не ... (сами подставьте нужные слова и выражения)
Из интересного: Это вторая роль Харитонова и, наверное, самая известная. После он, само собой, будет комплексовать, что за оставшуюся жизнь не смог сыграть более важную роль.
Большой вальс (1938) – это музыкальная мелодрама о жизни Иоганна Штрауса. Фильм прекрасен. Он цепляет гармоничностью, красотой картинки и простым, но трогательным драматизмом. В фильме множество проявленный красоты: от накрахмаленных сорочек и аккуратных причёсок персонажей до музыки Штрауса и смелой операторской работы. Трогательные моменты тут тоже разные: это может быть радость в сцене первого успешного выступления оркестра Штрауса или сочувствие и восхищение в сценах самопожертвования жены Штрауса. Но, что немаловажно, ты с первых кадров понимаешь, что фильм закончится на счастливой ноте. От драм останутся лишь улыбки, а все, кого можно было с натяжкой назвать отрицательными персонажами, пожмут руку главному герою.
Если углубиться чуть более подробно именно в техническую часть, то стоит отметить, что фильм очень чистый, выглаженный, отполированный. Тут нет ничего сверхъестественного. Только классические дворянские интерьеры, аккуратный внешний вид персонажей и немного бриллиантов для бличка. В некоторых кадрах бриллианты заменяются глазами персонажей. Да уж, со светотенью тут поработали очень талантливо и усердно. В том числе за это я и люблю классические чёрно-белые фильмы, как "Касабланка" или "Леди Гамильтон". Мало того, что свет в них добавляет эстетики, так он ещё и помогает драматургии. Самый простой, от того самый известный и часто используемый приём – тень на лицах отрицательных персонажей и яркое высвечивание лиц положительных. Это очевидно, если всматриваться, но даже если это не замечать, то зритель будет считывать на подсознательном уровне каждый подобный трюк. Ну а что невозможно не заметить, так это операторскую работу оскароносного Джозефа Гуттенберга, который позже поработает над множеством других эстетичных фильмов старого Голливуда, но здесь он был, как мне кажется, более смелым. Конечно, сразу вспоминаются потрясающие сцены вальсов, особенно головокружительного вальса "Сказки венского леса" Иоганна и Карлы. Всё это очень поэтично.
Интересно, что фильм часто относят к французскому поэтическому реализму. Действительно, режиссёр Жюльен Дювилье снимал фильмы в этом течении, но конкретно этот фильм, если смотреть с первого взгляда не подходит под рамки этого течения. Поэтизм есть, годы создания и страна та же, но как на счёт реализма? Да и в определении течения указано, что, в большинстве своём, снимали о низшем классе, иногда даже о маргинальных элементах. Что, с точки зрения стиля, совсем не соответствует фильму, который пестрит аристократизмом и элегантностью. Но, с точки зрения логики, всё сходится. Штраусу и его компании изначально нечего терять, его в начале фильма увольняют с работы, а некоторые его друзья работают в пекарне. Убеждения у них никак не буржуазные: "Музыка дороже хлеба". Даже революционные настроения наблюдаются у главных героев. Ну а что касается реализма, то он ведь тут поэтический. Авторы стараются воссоздать жизнь низшего класса в павильонах, а если получится с нотками аристократизма, то это, само собой, поэтическая часть.
Но, стоит отметить, что революционный мотив, как и любой другой социальный мотив фильма, тут мягкий, ненавязчивый, но влияющий на эмоции зрителя. Конечно, мотивы тут разные. Наверное, самый важный – мотив измены. Именно из-за него в конце фильма развивается невероятная драма. Как же это трогательно получилось. И весомую часть эмоций несомненно дарит актёрская игра обладательницы двух "Оскаров" и двух тонких бровок, Луизы Райнер, которая невероятно красноречиво, но почти без слов передаёт драматизм ситуации своего персонажа.
Из интересного: Это один из любимых фильмов Сталина. Он пересматривал его десятки раз и ставил в пример Александрову как идеальный фильм для поднятия настроения. Сложно с этим не согласится. Влияние этого фильма видно в работах Александрова, Пырьева и некоторых других советских режиссёров.
Вот вам небольшой список фильмов, которые наш усердный строитель коммунизма тоже часто пересматривал: Волга-волга (1938) Ленин в октябре (1937) Чапаев (1934) Огни большого города (1932)
Дело Парадайна (1947) – это судебный нуар от Хичкока, в котором Хичкока слишком мало. Если в первой трети ещё есть небанальная операторская работа в его духе, то потом фильм превращается в бесконечную череду допросов с крупными планами безэмоциональных мордашек актёров, то есть в бесконечные диалоги. А диалоги тут запутанные, пафосные и выглядят странно, что, может быть, должно было добавить некоторой сюрреалистичности или даже комичности, но в итоге делает фильм скучноватым.
Полагаю, это дело рук продюсера Дэвида Селзника. Именно он взялся переписывать сценарий после того, как над ним уже поработали три человека, не считая автора оригинального романа. Но мало того, что он решил строить из себя великого драматурга, так он ещё и под конец съёмок почти полностью взял на себя роль режиссёра, а также сократил фильм на 20 минут, из-за чего тот лишился стройности повествования и большей части сцен с Этель Бэрримор, которая является самой харктерной актрисой фильма. Посмотрев полную версию фильма (которая позже была уничтожена наводнением), эксперты даже номинировали Этель на "Оскар".
Стоит поговорить и о других актёрах. Луи Журдан имеет необычную внешность, но за фильм он только однажды поменял выражение лица. Тоже самое с Алидой Валли, которую называли второй Гарбо и Дитрих, но по влиянию на кинематограф она и рядом с ними не стоит. Алида и Луи источают исключительно холод, ну и чуть-чуть загадочность. В общем, с самого начала понятно, что один из них и есть убийца. С другими актёрами ситуация уже чуть более интересная.
Грегори Пек более выразительный. Его персонаж тут этакий наивный ребёнок, который не понимает ничего в ролевых играх психически нездоровых аристократов и топчет им всю малину. Хотя, честно говоря, этих говорящих по полслова в минуту античных статуй, которые постоянно врут и никак не объясняют свои решения, невероятно сложно понять. Жена персонажа Пека получилась самой настоящей Хичкоковской блондинкой. Весьма интересная фифа, как и её подружка. А вот "старых пней", как выразился один из них, стоит похвалить побольше. Чарльз Коберн и Чарльз Лотон – прекрасные актёры, которые добавляют этому фильму харизмы. Хоть они и похожи, но играют противоположные роли. И каждый из них по-своему интересен. Если Коберн – добряк, то Лотон – один из чертей, которые водятся в этом мраморно-позолоченном омуте.
Другие сомнительные личности – это слегка обезумевшая жена персонажа Лотона и, конечно, хладнокровная вдова со своим верным мальчиком. В этом смысле фильм весьма похож на "Ворона" Клузо. Ну и, конечно, тем, что основной пласт сюжета знатно приправлен пафосной графоманией. Но фильм Хичкока мне изначально понравился сильно больше "Ворона". Он раскрывает тему "омута" намного более аккуратно и стильно, почти сюрреалистически, пока фильм не скатывается в графоманию.
Хичкок – приглашённый режиссёр. Это скорее не его фильм, а фильм Селзника. Хичкок привнёс в него только самое лучшее, да сам он получил во время съёмок некоторый опыт. Как по-моему, этот фильм стал для Хичкока важным моментом в изучении женской психологии и формировании образа хичкоковской блондинки. Через пару лет он снимет "Страх сцены", в котором героиня Марлен Дитрих будет сочетать в себе холодность вдовы, чувственность жены и рассудительность подруги, а там уже не за горами и Грейс Келли. Ну и с Селзником он после этого фильма больше не работал.
Анна Каренина (1967) – это впечатляющая советская экранизация Анны Карениной. Даже не ожидал, что советская версия сможет превзойти по художественной выразительности версию Александра Корды. Да и сокращений с отступлениями тут меньше. И актёры первой величины даже на второстепенных ролях. Фильм на уровне экранизации с Вивьен Ли или даже интереснее.
Может он и несколько интереснее, но чего-то тут явно не хватает, что было в прошлых экранизациях. Наверное, не хватает стройности повествования или ярко выраженной атмосферы XIX века, а может и чёрно-белой плёнки. Вполне возможно, что всего вместе.
На протяжении фильма, а особенно первой его части, наблюдается весьма динамичное повествование, что, конечно, освободило немного места, позволило авторам не так сильно сократить оригинальный роман, но выглядит это не вполне складно, хотя это могут быть мои субъективные впечатления.
Но вот что тут очевидно, так это авангардная операторская работа. Авангард – дело хорошее. Он меня даже удивил. Фильм-то массовый. Но авангард тут какой-то скомканный, примитивный. При съёмке бала и встречи Анны с сыном оператор беспорядочно крутит камеру, что, может, и придаёт некоторую эмоциональность сценам, но смотрится не очень.
Ну и ещё одна субъективная мысль. Экранизация "Анны Карениной" должна быть чёрно-белой. Возможно, что такая мысль поселилась у меня после просмотра двух более старых экранизаций этой книги, но я считаю именно так. Это трагичная, но сдержанная и очень нравоучительная история, которую не стоит разодевать в цветные наряды.
А какие же у этого фильма достоинства и интересности. Тут мало сокрашений, жаль, что они всё же есть. Из относительно масштабных следует отметить Константина Лёвина, то есть его отсутствие. Но фильм всё равно очень подробно преподносит сюжет. Полагаю, посмотрев его можно понять, что такое "Анна Каренина" Толстого. Тут есть многие относительно мелкие моменты, которые являются неотъемлемой частью романа. Оттопыренные уши Каренина или множество фраз на французском, например.
Может, по стройности повествования выигрывает экранизация с Вивьен Ли, а по атмосфере – с Гретой Гарбо, но самые лучшие актёры именно в фильме с Самойловой. Конечно, сама Татьяна в роли Анны интересна. Она и в жизни не от мира сего, если не сказать, что со старнностями, так что кульминационные моменты, в которых рассудок Анны помутнён, ей удавались особенно хорошо. Да и по внешним данным она лучше остальных подходит на роль Карениной. Сыграла она впечатляюще.
Лановой, как и всегда, статен и красив. Николай Гриценко в роли Каренина получился очень похожим на Ральфа Ричардсона, но сыграл более харАктерно. У них Каренин получился неживой. Мягкое лицо, пустые глаза, корректность в бытовом поведении и растерянность в сложных ситуациях. Тем не менее, наблюдать за ним интересно.
Но ещё интереснее наблюдать за Стивой Облонским в исполнении Яковлева. Тут уж совершенно точно можно сказать, что лучше актёра на эту роль не будет. Да и персонаж, пожалуй, самый адекватный, как в романе, так и в фильме. Его жена в исполнении Ии... Ийи... товарища Саввиной тоже очень даже ничего. А как играет её сестра... Вот уж Вертинская, так Вертинская... А как играет на чувствах зрителей Плисецкая... Да, Майя очаровательна. Она ходит, как танцует, а говорит, как поёт, но ведёт себя сдержанно, не допускает вульгарностей и излишеств.
...
Ну и остаётся художественная выразительность, которая тут вроде как есть. В оригинальном романе моменты, которые могут быть интересны с точки зрения кинематографичности. Это скачки, родовая горячка, всем известный финал и поток сознания, который тут встречается только в сцене горячки. Каждая из этих сцен тут выглядит любопытно, в духе простенького экспрессионизма-сюрреализма. Наверное, самая интересная для меня – это скачки. Не хочу расписывать всё до мельчайших подробностей. Скажу лишь, что выглядит она почти в духе Хичкока.
Из интересного: Василий Лановой и Татьяна Самойлова были в браке с 1956 по 1958 год.
Анна Каренина (1948) – это экранизация одноимённого романа Александром Кордой с Вивьен Ли в главной роли. Если сравнивать с фильмом 1935 года, то в этом фильме присутствует сильно бо́льшая художественная выразительность и смысловая нагрузка, что в том числе связано с тем, что авторы увеличили хронометраж, сделав намного меньше опущений и отступлений от оригинального романа. Жаль, что важные для раскрытия сюжета судьбы Китти, Облонских и Лёвиных так и остаются сокращёнными. Если продолжить говорить о персонажах и сравнивать, то стоит отметить, что Вронский тут больше похож на Каренина из фильма 35го года, только более молодой и экспрессивный, Каренин – на бюрократическую гадину с пустыми глазами, а Лёвин остался таким же комичным, как и был. Это касается не только внешнего вида, но и поведения.
Меньше внимания уделяется Карениной в качестве матери и её сыну соответственно, что во многом повторяет судьбу самой Вивьен Ли. Ведь она тоже оставила мужа, который впоследствии не давал ей развод и забрал ребёнка к себе. Позже Вивьен не смогла дать должного внимания ребёнку из-за своей актёрской занятости и отношений с Лоуренсом Оливье. Уж не знаю, насколько это было сделано специально, но сценаристы даже убили дочь, которая родилась у Карениной в романе, что, конечно, снова имеет параллели с жизнью Вивьен. Три года назад она была беременна, но потеряла ребенка во время съёмок фильма "Цезарь и Клеопатра" (1945). Ещё один немаловажный факт, который следует упомянуть, чтобы лучше понимать, насколько Вивьен было тяжело – это несовпадение температур на съёмках и в фильме. Роль Клеопатры, царицы Египта, она играла в неотапливаемом павильоне, а съёмки зимних сцен этого фильма проходили в жаркое лето. В общем, судьбы Анны Карениной из фильма и Вивьен Ли весьма схожи по своему трагизму, если не сказать мученичеству. Вполне возможно, что именно поэтому Вивьен так безупречно чувственно передала трагедию своего образа, хотя она плохо не умеет играть.
Но фильм от такой трагичности не скатывается в достоевщину (ларсфонтриерщину). Этому помогает общий эстетизм эпохи в которую и про которую снимали. В этом аспекте картинка, пожалуй, не проигрывает фильму 1935 года. Как приятно было слышать музыку Чайковского, жаль, что её тут было не так много. А какие тут костюмы... Чего только стоит одно чёрное бальное платье Карениной, которое Толстой описал ещё в далёком XIX веке, и которое у современного зрителя вызывает ассоциации то ли с маленьким чёрным платьем Chanel, то ли с платьем мести Дианы.
В целом, фильм по стилю весьма похож "Леди Гамильтон" (1941) Александра Корды. Наверное, потому что режиссёр и исполнительница главной роли те же. Но смею отметить, что фильм "Леди Гамильтон" мне понравился сильно больше этого, даже несмотря две любопытные сцены. Это сцена сна – родильной горячки Анны и финальная сцена, в которой авторы попытались передать тот самый поток сознания, который был в книге, но не было в фильме с Гретой Гарбо. Обе сцены завораживают или даже пугают и небезосновательно претендуют на экспрессионизм, если не на сюрреализм.
Из интересного: Первое время ассистентка надевала корсеты на Вивьен Ли вверх ногами, что причиняло ей сильные боли.
Анна Каренина (1935) – это экранизация одноимённого романа Дэвидом Селзником с Гретой Гарбо в главной роли. В этом фильме Гарбо уже второй раз за свою жизнь играет Каренину, несмотря на то, что она не очень-то и похожа на героинб, описанную Толстым. Тем не менее, ранее она снялась в ещё одной экранизации Анны Карениной, фильме "Любовь" (1927). И оба фильма, конечно, экранизации скорее костюмные, чем сюжетные. Но в фильме 35го года хотя бы есть все основные персонажи, в отличие от старшей версии. Конечно, многие сюжетные и стилистические аспекты оригинальной книги опущены и в фильме 35го года, что делает фильм далеко не таким многослойным и многосмысленным.
Может смыслов тут и меньше, но эстетики ничуть не меньше, чем в книге. Грета Гарбо, может, и не очень похожа на книжную Каренину, что, как по-моему, не очень-то важно, но она чувственна и блистательна. В том числе благодаря ей всем известный финал выглядит таким сильным и экспрессивным. Она в полной мере и без фальши показала трагизм положения своей героини. Весь фильм смотришь только на неё. Что конечно, говорит не только о способностях Гарбо, но и о некоторой серости актёров, окружавших её. Хочется отметить только Алексея Каренина в исполнении ныне малоизвестного, но от того не менее аристократичного и обаятельного британского актёра Бэзила Рэтбоуна, который иногда перетягивал на себя моё внимание.
Эстетику добавляет и очень характерный аудиовизуальный контекст фильма. Русские песни, солдаты в белых русских мундирах и немного водки – именно такие образы встречают зрителя в начале фильма. Конечно, сразу становится ясно, что фильм не про сюжет, а про эпоху. Селзник даже нанял консультанта по России XIX века, Андрея Дмитриевича Толстого, отставного прапорщика, эмигрировавшего в Америку. Точных данных о его родстве с Львом Николаевичем я найти не смог.
Из интересного: Грета Гарбо сдружилась с актёром, игравшим Серёжу, сына её героини, но когда тот попросил автограф для своего дяди, то разочаровалась в мальчике, хоть и нехотя дала автограф.
Эта замечательная жизнь (1947) – это самая известная сопливая драма Френка Капры. Этот фильм мне напомнил "12 разгневанных мужчин" Фонды и Люмета. Оба фильма являются старой классикой, но весьма популярны в народе. Во многом эта слава обусловлена стройностью повествования и драматургическими приёмами, многие из которых в современном кино стали уже обычным делом, но, как по-моему, главная причина – это морализаторсво. Это фильмы с чрезмерным социальным посылом. Воспитывать зрителя – дело хорошее, но нужно это делать не так открыто и примитивно, если вы, конечно, не снимаете детское или семейное кино.
В итоге получается фильм, с которого можно начать знакомство с классическим кинематографом, если зритель – ребёнок или человек, который до этого смотрел только массовые современные глупости, использующие те же художественные приёмы и клише, что и этот весьма неплохой классический фильм.
Капра может снимать и несколько другое кино. Мой любимый его фильм – это "Мышьяк и старые кружева". В нём нет никаких соплей, что редкость в его работах. Это простенькая, но очень качественная и весёлая комедия с прекрасными актёрами. Кстати, с актёрами у Капры всегда всё хорошо было. В его картинах снимались как талантливые звёзды, так и характерные, хоть и малоизвестные актёры.
Что же касается этого фильма, то тут есть вторая черта, встречающаяся в фильмах Капры. Особенно сильно она заметна в фильме "Мистер Смит едет в Вашингтон". Чувствуются левые идейки. Главные герои пытаются навести социальную справедливость, а главный злодей – алчный капиталист, чья мерзопакостность возведена в абсолют. Честно говоря, сомневаюсь, что такие стереотипные мешки с деньгами существуют где-либо за пределами клишированных фильмов и баек о жадных евреях. Но, как мы уже знаем, Капру возвышает над современным кинематографом тот факт, что он не бездумно использует клише, а является их создателем.
В общем, фильм сопливый, но трогательный и добрый. Хотя, конечно, для воспитания чувств на таком уровне, который даёт фильм, лучше в соответствующем возрасте почитать русские народные сказки или посмотреть советские мультики. А если упустили такую возможность, то можете спокойно есть с ножа. Вы и так уже злой и страшный серый волк, если не моральный урод. Ну уж если очень хочется исправить ситуацию или начать знакомство с классическим кинематографом, то можете попробовать посмотреть. Может, ещё выйдет из вас сестра милосердия.
Из интересного: Пять номинаций, но ни одного выигранного "Оскара". Считается одним из лучших фильмов без "Оскара", как и "12 разгневанных мужчин".
Белый Орёл (1928) – это коротенькая, но глубокая и напряжённая социальная драма, рассказанная в визуальных образах, да ещё и с намёком на авангард. Не ожидал, что увижу у послереволюционного Протазанова такую характерность и экспрессивность. По фабуле он похож на "Стачку" (1924) Эйзенштейна. По авангардности тоже, но фильм Протазанова, конечно, более сдержанный. Тем не менее, глубокие мизансцены местами добавляют стиля, но главным художественным приёмом фильма, конечно, является параллельный монтаж. Именно он добавляет напряжения в сцене митинга. Именно он иллюстрирует мучения не лишённого эмпатии губернатора, из-за которого погибли дети. И именно благодаря параллельному монтажу финальная сцена получилась такой стильной и захватывающей.
Интереса добавляют и актёры. Качалов и Мейерхольд – великие деятели театра. В этом фильме оба они сыграли свою единственную серьёзную роль в серьёзном кино. Качалов прекрасно передал драматичность ситуации своего персонажа, а Мейерхольд...
Мейерхольд привносит в этот фильм нечто от "Пиковой дамы" (1916) Протазанова. И это нечто – мистицизм и фактурность. Вы только посмотрите на него в этой роли. У него такой же орлиный профиль, такая же фактурность офицера, как у Ивана Мозжухина, такой же гипертрофированно престарелый грим и скованные движения, как у старухи из "Пиковой дамы". У старухи было неестественно землистое лицо, из-за освещения превращавшееся в почти чёрное. У персонажа Мейерхольда – неестественно бледное. Вместе с лысой головой это даёт образ, приближенный к вампиру Носферату. Образ Мейерхольда отталкивает, но завораживает. И в повествовании он играет важную роль: менно этот персонаж виноват в произошедшей трагедии. И что, как по-моему, применимо также к старухе из "Пиковой дамы", именно он главный герой фильма. Конечно, он и есть Белый орёл, а не какой-то орден.
Из интересного: Ну уверен, что это задумка и дело рук авторов, но я смотрел версию фильма, в которой частью саундтрека являлась аранжировка оригинального саундтрека из французской хулиганской короткометражки "Антракт" (1924).
Девушка с гитарой (1958) – это музыкальная комедия с Людмилой Гурченко в главной роли. Важно упомянуть, что фильм снимался во время ажиотажа в советском союзе по поводу всемирного фестиваля молодёжи и студентов в Москве. Хоть вышел фильм уже после фестиваля, главное событие фильма, к которому все так усердно готовятся – фестиваль. Его тень чувствуется на протяжении всего фильма и, конечно, полноценно он расцветает в финальном почти пятнадцатиминутном концерте с участием молодых парней и девушек из разных стран мира. Музыкальных сцен здесь, кстати, весьма много. И они приходятся к месту, выглядят очень даже хорошо.
Наверное, они не выглядели бы так хорошо, если бы не молодая советская Марлен Дитрих, и её саморежиссура. Да, Людмила Гурченко тут очень хороша. Она и играет чувственно, и поёт прекрасно, и одевается со вкусом. Почти полностью уверен, что наряды она подбирала сама. Конечно, не могу не замечать ещё более большого слона в комнате, хоть ей и досталось всего пару минут экранного времени. Раневская! Ну тут и говорить нечего. Прекрасна!
Из интересного: Это вторая главная роль Людмилы Гурченко. Её родители смотрели фильм в кинотеатре около десяти раз.